Бесплатный фрагмент - Режиссура иллюстрации
Эволюция мышления в эпоху нейросетей
Введение
Когда я только начинала свой путь в далёком 2006, мне казалось, чтобы стать настоящим иллюстратором, нужно закончить академию художеств. Позже, ближе к 2008 стало казаться, что для успеха в профессии требуется большое портфолио в разных техниках. К 2010 появилось чувство, что необходимо непременно попасть в «тот самый стиль». Спустя годы в профессии могу с уверенностью сказать, что этого не просто недостаточно — это совсем не главное.
Иллюстрация — это навык мыслить и ясно доносить свои идеи до зрителя. А стиль, техника, модные спецэффекты лишь форма. Сегодня, чтобы выделиться, просто классно рисовать уже мало. Важно думать, чувствовать, интерпретировать и находить дерзкие и нестандартные решения там, где, казалось бы, лежит уже давно проторённая тропа.
Почему я написала эту книгу
Я вынашивала идею книги об иллюстрации очень давно. Она постоянно менялась и преобразовывалась в моём воображении. Сначала я хотела написать о стилях и техниках, потом о построении сюжета и повествовании. Но только сейчас, после появления мощных нейросетей, стало очевидно, что нужна книга о мышлении. Об иллюстраторском мышлении.
Всё началось с вопросов, которыми задаются ученики в моей школе и коллеги в соцсетях:
• как найти свой стиль?
• как выделиться из серой массы?
• как сделать картинку выразительной?
• а нейросети нас скоро заменят?
Я поняла, что пора собрать свой опыт, наблюдения и знания в одном месте. Чтобы рассказать:
• как работать с иллюстрацией вдумчиво;
• как воспринимать нейросети не как угрозу, а как инструмент;
• как найти свой путь в визуальном мире.
Иллюстратор — это не руки, а голова.
Вы можете не иметь диплома, не уметь реалистично рисовать натюрморты, не знать, что такое разбавитель и сиккатив, и при этом быть потрясающим иллюстратором. В чём соль? В навыке говорить картинками. Даже если эти картинки сводятся к «палка, палка, огуречик».
Сейчас иллюстрация — это в первую очередь сторителлинг, заключённый в изображении. Не имеет значения, будет это визуальный ряд для соцсети или фон для мобильной игры. С начала 2000-х у иллюстраторов прибавилось работы, и пик произошёл на моих глазах: в 2010 мне приходилось долго объяснять, что я рисую картинки не только в книжки, но и для рекламы; к 2018 поток заказов у меня и моих коллег увеличился вдвое; а к 2022 рук для рутинных задач стало не хватать. И да, появились нейросети. Они не губят профессию, а трансформируют её: помогают отказаться от скучных проектов и расширить свой творческий диапазон. Чтобы не потеряться, нужно не только учиться новым инструментам, но и понимать, что именно вы хотите сказать.
Нейросеть — это не кнопка «создать шедевр», а новое художественное пространство, где мастер по-прежнему необходим. Midjourney, GPT и другие модели, как кисти и краски: ими можно делать наброски, коллажи, подбирать идеи. Но смысл, стиль и структура остаются за человеком.
Эта книга не учебник и не инструкция.
Скорее, это разговор. С теми, кто уже в профессии, кто только влюбляется в иллюстрацию, кто боится и кто горит. Я хочу поделиться тем, что узнала за годы работы: с заказами, книгами, комиксами, школой, нейросетями, собой — способом мыслить, искать и находить яркие, нетривиальные решения в уже изведанной поколениями других мастеров сфере.
Если вы только в начале пути — я расскажу, как не запутаться.
Если вы уже в процессе — напомню, что искать дальше.
Если вы чувствуете кризис — может быть, здесь вы найдёте новые опоры.
Глава 1. Иллюстраторское мышление: что это и зачем оно нужно
Существует расхожее мнение, что иллюстратор — это тот, кто умеет рисовать. На самом деле, иллюстратор — это не столько рука, сколько голова. Не столько исполнитель, сколько соавтор. Он не просто оформляет смысл — он его переосмысляет, интерпретирует, переозвучивает.
Мышление отражает мир
Я занимаюсь иллюстрацией с 2008 года — и всё это время наблюдаю, как она меняется, подстраиваясь под динамику и интересы современности. Сегодня нам кажется, что иллюстрация — это изобретение нашего или в крайнем случае прошлого века, нечто унифицированное, адаптированное под нашу действительность. На деле же её история уходит в глубь веков. Первые иллюстрации можно найти уже в Древнем Египте. Если посмотреть на изображения в гробницах и храмах, можно без гида в общих чертах понять, что происходит. Хотя, конечно, одних картинок для понимания тонкой культуры Древнего Египта будет маловато. Однако, чтобы не пропасть в чужой стране, словаря с рисунками будет достаточно: покажете картинку с бутылкой воды в магазине, и вам с радостью помогут утолить жажду.
Однако цивилизации древности отделены от нас столетиями, и язык религиозных фресок преобразовался в иллюстрацию. Это стало профессией, индустрией, культурной частью повседневности — но суть осталась прежней. Мы по-прежнему стараемся донести идею через изображение, направить взгляд, подчеркнуть важное. Изменилась форма, изменилось восприятие, изменилась визуальная норма — но задача та же: рассказать.
Вместе с обществом меняются и законы композиции. То, что раньше считалось каноном, сегодня может выглядеть архаично. Современный зритель вырос в визуальном мире, наполненном сверх избытка фильмами, мемами, интерфейсами, рекламой. Иллюстрация должна говорить на его языке — быть убедительной, яркой, оригинальной, но при этом не пресыщать и не тонуть в море подобий. Иногда это гротеск, иногда стилизация, иногда предельная условность. Главное, чтобы изображение работало, а не соответствовало «школе».
Основной задачей художника, как в древности, так и сегодня, остаётся управление вниманием зрителя.
Эту цель преследуют все сюжетные изображения. Даже картины классической живописи зачастую являются иллюстрациями. Разумеется, когда мастер работает над полотном, он стремится создать шедевр, а не просто картинку в журнал. Вряд ли Делакруа мечтал о том, чтобы репродукции его «Свободы, ведущей народ» украсили страницы учебников истории во всём мире. Но так сложилось. Сотни живописных картин превратились в иллюстрации, хотя авторы иллюстраторами не были. Всё благодаря тому, что цель у этих работ одинаковая. Если гении прошлого, переключая взгляд зрителя с объекта на объект, указывали ему на символический смысл картины, то современный иллюстратор ведёт зрителя к тезису статьи или покупке кока-колы.
Иллюстрация выделилась в отдельное направление вовсе не в Древнем Египте. Конечно, в течение всей истории человечества нам встречаются иллюстрированные произведения: Маккавейские книги середины IX века, сборник изобретений Аль Джазари XIV века, многочисленные библии, как рукописные, так и отпечатанные на рубеже XV и XVI веков. Однако формирование иллюстрации в том виде, который знаком нам сегодня, произошло лишь к XIX веку. До появления промышленных печатных станков выпуск крупных тиражей представлялся весьма затруднительным, а потому иллюстрация была скорее узким ремеслом, нежели отдельной профессией. С появлением периодики и рекламы издателям потребовались художники-оформители в таком количестве, что позже те и стали иллюстраторами. Благодаря этому сотрудничеству в графике произошло множество перемен. Журналам, книгам, кинематографу и другим потребителям иллюстраторского труда требовались яркие, запоминающиеся картинки, которые бы погрузили зрителя в созданный ими мир. Так начали появляться и другие производные от иллюстрации, начиная от комикса, заканчивая анимацией.
Меня особенно вдохновляют художники, которые в своё время пошли против нормы. Например, Артур Рэкхем, когда создавал «Алису в стране чудес», отказался от викторианской стилистики в пользу эстетики модерна, сместив фокус повествования ближе к духу эпохи. Или Джозеф Кристиан Лейендекер, один из первых иллюстраторов, который начал использовать кинематографическое кадрирование ещё до того, как кино стало массовым искусством.
Сегодня таких приёмов ещё больше. Всё потому, что пузырь нашей визуальной реальности расширяется как никогда стремительно, а вместе с ним непременно расширяется и меняется мышление. Наша задача, как иллюстраторов, не вырезать для себя удобный сектор и пытаться сохранить его границы, а щепетильно подходить к анализу всех возможностей и применять в работе те, что лучше других коррелируют с поставленной задачей, будь то персональный творческий проект или рутинная маркетинговая картинка.
Иллюстрация — это работа с контекстом.
Вы можете рисовать по заказу или для себя, но в любом случае работаете с каким-то смыслом. Он может быть задан в тексте, брифе, теме, или возникнуть изнутри. Его интерпретация — задача не кистей и красок, и даже не набитой в рисовании руки, а в первую очередь вашего мышления:
Как расположить элементы? Какой приём выбрать? Сравнить ли с чем-то знакомым? Оставить ли место для паузы, загадки, неожиданности?
Иллюстратор — режиссёр
Не имеет значения, работаем ли мы с текстом, рекламным слоганом или игровой идеей, иллюстрация — это никогда не буквальный перевод. Мы, как режиссёры, адаптируем «сценарий» в визуальный язык: не просто рисуем, а рассказываем. И не обязаны делать это слово в слово. Иллюстратор не только переводчик, но и соавтор.
Как и режиссёр, он подбирает «актёров» — персонажей. Использует референсы, натуру, экспрессию. Не нужно бояться обращаться к фотографии или позе из Pinterest: этим пользовались все великие, от Альфонса Мухи до Нормана Роквелла. Важно не «откуда взято», а зачем и как это встроено в кадр. Потому что иллюстратор ещё и оператор, и художник по свету, и костюмер. Он думает о композиции, настроении, ракурсе, атмосфере. Иллюстрация, как и кино, строится на зрительном восприятии, и многие приёмы мы можем заимствовать из визуального сторителлинга: то, как камера скользит, как падает свет, как читается перспектива.
Каждая сцена в иллюстрации — это не просто красивая картинка, а драматургия. И если вы научитесь видеть себя не только как художника, но и как режиссёра, ваша графика станет глубже, выразительнее и осмысленнее.
Начиная рисовать, мы буквально ставим сцену
Мы определяем:
• кто в кадре;
• где стоит камера;
• как освещена сцена;
• какая эмоция должна звучать;
• каково напряжение между объектами.
Мы, как режиссёры, создаём визуальное повествование. Не случайное, а строго выстроенное. Даже у одинокого персонажа на иллюстрации есть свой голос.
Сила образного мышления
Один из самых мощных приёмов развития иллюстраторского мышления — научиться задавать себе правильные вопросы. Например:
• что именно я хочу сказать этим изображением?
• какая эмоция должна остаться у зрителя?
• где центр внимания, и почему?
• почему я выбрал именно такой стиль?
• как картинка работает без текста? А с ним?
Чем точнее вы отвечаете на эти вопросы, тем выразительнее будет работа. Это ваша карта.
Некоторые вещи нельзя объяснить словами — их можно только почувствовать, в том числе и глазами, как бы странно это ни казалось. Иллюстрация — хокку, но вместо слов у нас композиция, свет, ритм и контраст.
Именно поэтому так важна внутренняя насмотренность, наслышанность, опытность — они дают мозгу строительный материал.
Как развивать мышление иллюстратора
Мышление — это не талант, это навык, и его можно и нужно тренировать.
• смотрите и анализируйте, а не просто листайте;
• задавайте себе вопросы и честно отвечайте;
• пересматривайте старые работы и спрашивайте: «а что я хотел сказать? Получилось ли?»
• работайте в сериях: бить в цель одним выстрелом — хороший навык, но в повествовании важна и последовательная меткость;
• пробуйте разные подходы к одной и той же теме и анализируйте результат.
Чем отличается ремесло от искусства
Иллюстратор без мышления — это фотограф, который нажимает на кнопку с закрытыми глазами. Да, кадр получится, но хочется ли его рассматривать? Художник же выбирает ракурс, масштаб, эмоцию: он задаёт вопрос и ищет ответ, вкладывает смысл. Именно мышление превращает изображение в высказывание, картинку в акт искусства, а не в очередной пример (пусть даже высокого) мастерства.
Вопрос отличия искусства от ремесла волнует практически каждого, кто зарабатывает творчеством. Где заканчивается одно и начинается другое? Или каков риск оказаться в серой зоне, так и не став ни крепким ремесленником, ни гением идеи?
Чаще всего ремесло — это навык, доведённый до устойчивого качества. Это производство, пусть и уникальное, но повторяющееся; утилитарное мастерство, которое работает «на потребу», будь то заказной портрет, декоративная вышивка или набор милых стикеров. Искусство — это не только о технике, это о взгляде, заявлении, об идее. Оно может начинаться с ремесленного навыка, но перерастает его, когда художник использует форму, чтобы донести мысль. Искусство — это эмоциональный выброс, это желание не просто сделать, а выразить.
Ремесло — продавать платки с вышивкой, искусство — выложить этими платками инсталляцию, где зритель почувствует боль, иронию, близость или растерянность. И то и другое требует труда и мастерства, но задачи разные.
Прекрасный пример — работы художницы Лизы Смирновой. По форме это классическая ручная вышивка. Но посмотрите, как тонко она обращается к темам телесности, эмоциональности и уязвимости. Это не просто прикладное мастерство — это высказывание. И именно это превращает ремесло в искусство. Техника остаётся той же, но у неё появляется позиция и интонация.
Теперь другой, более радикальный пример: в1958 году французский художник Ив Кляйн начал продавать «зоны нематериальной живописной чувствительности». Покупатель получал не объект, а идею. Деньги сжигались в торжественном ритуале, и художник взамен вручал золотой сертификат. Так, Кляйн манифестировал новый этап в эволюции искусства. Ведь смысл был вложен, даже если результата в привычном материальном виде не существовало. На тот момент работы Кляйна и его коллег были вызовом, а сегодня, на мой взгляд, являются опережающими своё время маркерами современной действительности.
Сейчас мы живём в мире, где само исполнение перестаёт быть единственным критерием ценности. Особенно в эпоху нейросетей, где «красивую картинку» может выдать алгоритм, а вот внутреннее высказывание — нет. Именно оно превращает нейросетевую генерацию в настоящую иллюстрацию. И именно оно делает художника — художником, даже если он работает с чужими текстурами, пикселями и запросами. Вопрос становится несколько сложнее, когда в игру вступает успех. Ведь ремесло продаётся лучше: оно стабильное, понятное, повторяемое, в отличие от искусства, которое требует смелости, времени, иногда одиночества, которое не гарантирует лайков или заказов. Здесь и пролегает тонкая грань, балансировать на которой очень сложно.
Ремесло — это голос, а искусство — идея.
Один и тот же навык может быть ремеслом в одних руках и стать искусством в других — всё зависит от назначения. Никто не обязан быть художником: можно быть счастливым, востребованным ремесленником. А можно быть непризнанным художником и не сдаваться на этом тернистом пути. Этот выбор не бывает верным или ошибочным. Главное — быть в нём искренним с собой.
Наконец, важно напомнить себе, зачем мы вообще пришли в иллюстрацию. Вряд ли кто-то из нас мечтал стать «голосовым интерфейсом фотошопа», бесконечно перерисовывая набившие оскомину картинки по референсам из чужого портфолио. Почти каждый начинал с желания творить, выражать, исследовать, быть услышанным и увиденным. Появление нейросетей в этом смысле не угроза, а возможность вернуться к себе. Освободиться от технической рутины, от нескончаемого подсчёта слоёв, от необходимости вручную «имитировать» то, что машина может выдать за секунду. Это не повод отказываться от профессии, это повод снова приблизиться к творчеству, к тому, что вдохновляло нас на старте. Пусть нейросети станут нашими помощниками, а не соперниками. Пусть они дают нам пространство, в котором можно снова почувствовать себя художником не по названию, а по сути.
Упражнения: развитие иллюстраторского мышления
Эти задания подойдут и для творческой разминки, и для выхода из «визуального ступора». Делайте их не для портфолио — делайте для себя. Чтобы разогреть мозг, расшевелить восприятие, и просто вспомнить, что вы умеете мыслить картинками.
1. Нарисуйте то, что нельзя увидеть
Выберите один из вариантов и придумайте, как это изобразить:
• звук (например, «шорох бумаги» или «отдалённый гул поезда»);
• кинестетическое ощущение (например, «мокрые ладони» или «свербящее колено»);
• вкус (например, «зелёное яблоко» или «сливочное масло с солью»).
2. Иллюстрация без сюжета не работает
Сгенерируйте небольшой фрагмент текста с помощью нейросети (или возьми абзац из любимой книги), а затем:
• набросайте 3 мини-эскиза по мотивам;
• выберите один и доработайте композицию;
• попробуйте сделать альтернативный вариант той же сцены — в другой стилистике или с иным фокусом.
3. Режиссура начинается с отбора
Возьмите сгенерированную картинку из Midjourney или любой другой нейросети. Попробуйте превратить её в полноценную иллюстрацию:
• доработайте сюжет;
• добавьте персонажей;
• введите логический центр и акценты;
• измените или подчеркните настроение.
4. Иллюстрация как кураторская практика
Представьте, что вы арт-директор:
• найдите трёх иллюстраторов, которых пригласили бы на проект;
• опишите, почему именно они: что в их стиле/подходе вас цепляет;
• попробуйте из работ этих художников собрать цифровой коллаж и дополнить его своими элементами.
5. Иллюстратор может быть кем угодно
Выберите любой из своих эскизов и:
• отрисуйте его в максимально «дурацкой» манере (другой рукой, ручкой, в духе детских каракуль, фоторедактором);
• попробуйте дорисовать поверх что-то серьёзное;
• задайте себе вопрос: в чём здесь сила? (юмор? контраст? абсурд?).
Глава 2. Режиссура иллюстрации
Как мы уже поняли, современный иллюстратор — это не только человек с кисточкой, но и режиссёр, оператор, художник по свету и костюмам в одном лице. Наша задача — управлять вниманием зрителя, выстраивать композицию, передавать характеры и атмосферу. Мы не просто рисуем «человека с книгой», мы строим кадр, который расскажет историю без слов.
Где водятся истории?
Первое, на что я предлагаю обратить внимание — это работа с идеей. Как мы уже разобрались в предыдущей главе, задача иллюстратора — перевести определённую мысль на визуальный язык. Эти мысли могут быть совершенно разными, начиная вполне сформулированными посланиями арт-директоров, заканчивая взмахами рук заказчика и его жены. Другими словами, в одном случае вам придётся работать с текстом, в другом — с интерпретацией события, с представлением личности, или вообще с какой-то абстрактной идеей. Каждый случай требует определённого подхода. Иллюстрирование статьи в журнал будет отличаться от рисования афиши для нового фильма.
Однако работа над любой иллюстрацией начинается с идеи. У вас уже может быть сценарий на руках, но чтобы снять по нему фильм, вам нужно найти правильный подход, раскрыть историю максимально колоритно и осмысленно. Поэтому, прежде чем бросаться рисовать законченную иллюстрацию, нужно проанализировать задачу. Возможно, у начинающих иллюстраторов ещё живёт в подсознании надежда на чудесное вдохновение, которое помогает гению в работе, и без которого состояться профессионально невозможно. Эта надежда не совсем беспочвенна, действительно, иногда работа идёт легче, потому что есть какая-то «искра». Чаще всего такое происходит в персональной графике, а вот в коммерческой — скорее исключение. На мой взгляд, вдохновение — это награда творцу за десятки часов усердной работы. Или, как любят говорить многие мои коллеги, «аппетит приходит во время еды». Порой даже самый скучный заказ можно превратить в фантастически интересный, просто взглянув на него под другим углом. Это не всегда легко. Когда иллюстрация становится рутинной работой, зачастую лень искать «второе дно» у каждого сюжета, и считаешь достаточным просто качественную отрисовку. Однако эта качественная отрисовка тоже предполагает серьёзный труд. Именно отсюда появляется череда эскизов на одну и ту же задачу.
С готовой идеей, как со сценарием, на руках нам ещё придётся подбирать актёров, осветителей, декораторов, костюмеров, операторов и всех остальных по списку. То есть, нам предстоит работа над созданием убедительного персонажа, окружения и компоновкой всего этого в формат.
Но что же делать, если у нас нет сценария? Ведь вы можете не хотеть работать с журналами или рекламой, которые сами придумывают сюжеты. Возможно, вам захочется рисовать персональную графику и монетизировать её другими способами: участвовать в выставках-продажах, печатать футболки или создавать наборы стикеров. Здесь перед вами встанет более серьёзная проблема: где найти этот пресловутый сценарий?
Теперь вам придётся работать не только над расстановкой актёров, но и над идеей всего фильма. Конечно, есть такие счастливчики, которым эти идеи приходят свыше: во сне или лёгкой дреме. Но, к сожалению, их меньшинство. И чаще всего для стоящей мысли приходится проводить долгие часы под деревом, в ожидании падения нужного яблока. Спешу вас обрадовать, отсутствие в голове конвейера гениальных идей поможет вам научиться качественнее работать над осмысленными и нужными картинками. Чем мы здесь и займёмся!
Режим поиска идеи: чек-лист
Для начала я собрала несколько рабочих приёмов, которые помогают преодолеть кризис и растормошить творческое мышление. Кроме того, эти рецепты прекрасно работают как в персональных проектах, так и в клиентских:
1. Личное — это универсальное. Подумайте о ситуации, которая вас тронула, задела, удивила. Даже если она кажется «недостаточно интересной», скорее всего, в ней скрыт узнаваемый конфликт или образ.
2. Работайте с текстом, как с почвой. Любой абзац, даже сухая инструкция, может стать сценой. Попробуйте выделить в тексте эмоциональное ядро и построить композицию вокруг него.
3. Переосмысляйте классику. Возьмите известный сюжет (сказку, миф, поговорку) и перескажите его в современных декорациях или с неожиданного ракурса.
4. Ищите внутри объектов. Иногда вдохновляет не история, а предмет. Ложка, старая игрушка, окно — подумайте, что могло бы произойти в их «жизни».
5. Оглянитесь на чужие истории. Фотографии, кино, документалистика, Reddit, интервью, подслушанные разговоры — отличные стартовые точки. Главное — не копировать, а переосмыслять.
6. Ставьте себе вопрос. «А что, если?..» — классический сценарный приём. А что, если тень героя говорит не то, что он? А если город — живой? А если реклама банана стала оружием революции?
Композиция как инструмент повествования
В начале пути есть впечатление, что для создания классной иллюстрации, нужно знать анатомию, перспективу, правила светотени и сочетаемость цветов. Должна вас огорчить, даже если вы в совершенстве владеете этими навыками, без композиции невозможно создать убедительного изображения.
Зато если вы на «ты» с приёмами визуального повествования, академическая база реалистического рисунка может уже не понадобиться. Есть тысячи различных советов о работе над созданием идеальной графики. На самом деле именно композиция является фундаментом любого визуального ряда вне зависимости от того, снимаете ли вы фильм, делаете ли фотографию или рисуете иллюстрацию.
Композиция — это язык. Через выбор ракурса, планы, силуэт, цвет и контраст мы можем:
• передать настроение;
• показать характер;
• управлять взглядом;
• усилить драматургию.
Композиция работает, как монтаж в кино: она либо водит зрителя по кругу, либо прокладывает маршрут, либо бьёт в точку смыслового напряжения. Разберёмся, какие приёмы помогут добиться поставленных нами целей.
Композиционный центр
Можно подумать, что это просто середина изображения. Это не совсем верно. Когда мы смотрим на горизонт, наши глаза поднимаются чуть выше фактического центра формата. Горизонт делит его не пополам, а чуть выше середины. Поэтому и композиционный центр будет чуть выше середины листа. Самое простое, что вы можете сделать — это расположить все ваши объекты по центру с главным акцентом чуть выше середины. Если вы рисуете портрет или фигуру в интерьере, располагайте их по центру, голову в верхней части формата.
Золотое сечение
Следующий подход в работе с композицией, который даёт намного больше вариаций использования — это золотое сечение. Все люди сталкиваются с ним, когда смотрят на себя в зеркало, любуются природой или изучают горизонты Вселенной. Это фундаментальное правило, основанное на математических закономерностях. Чтобы воспользоваться им при построении композиции, достаточно запомнить простую пропорцию: 1 к 1,6: мы берём наш формат, делим его на 3 части горизонтально и вертикально. Однако эти части не будут равными, пропорция составит 1 к 1,6. Центральные области нашего формата будут больше, внешние — меньше, как по вертикали, так и по горизонтали. На пересечении горизонталей и вертикалей находятся самые сильные точки — там можно располагать ключевые объекты и акценты.
Спираль Фибоначчи
Спираль Фибоначчи — очень важный элемент работы с изобразительностью. В неё вписываются композиции всех великих полотен невризая на эпоху или направление в искусстве. Эта зависимость неслучайна: спираль, основанная на последовательности Фибоначчи, является основополагающим принципом создания нашей Вселенной. Таким образом, многие художники даже интуитивно пользуются этим правилом. Крутить спираль можно как по часовой, так и против часовой стрелки — её направление, наложенное на сетку золотого сечения, поможет заложить функциональные динамики, которые и поведут взгляд зрителя.
Правило трёх третей
Есть небольшая хитрость: если вам лень всё время вымерять пропорции золотого сечения, вы можете воспользоваться правилом трёх третей. Оно намного проще: просто поделите формат на 3 абсолютно равные части по горизонтали и по вертикали. С небольшой погрешностью, но необходимый фундамент у вас образуется.
Контрасты
Контраст — один из самых сильных инструментов визуального воздействия. Он помогает выделить главное, задать настроение и направить внимание зрителя. Наиболее очевидный способ — это работа со светлым и тёмным: разместив яркий объект на тёмном фоне (или наоборот), вы создадите фокус внимания. Контраст масштаба (крупное и мелкое) позволяет подчеркнуть значимость одного элемента или усилить драматизм сцены. Контраст может быть также фактурным (гладкое рядом с шероховатым), цветовым, ритмическим и пластическим. Используйте контрасты не только для усиления акцентов, но и как приём в построении сюжета: противопоставление — это всегда конфликт, а значит, и движение внутри композиции.
Ритмы
Использование ритмов в вашей работе поможет подчеркнуть динамику. Если вы изображаете скучное, рутинное действие, воспользуйтесь равномерными, повторяющимися ритмами. Если же вы хотите акцентировать скорость развития сюжета, постройте композицию на увеличивающихся или уменьшающихся ритмах. Самое простое использование ритмики — работа с перспективой с 1, 2 или 3 точками схода.
Симметрия и асимметрия
Симметрия и асимметрия также помогут настроить скорость действий в вашей иллюстрации. Симметричная композиция сделает работу спокойной и остановит движение. Такой вариант часто используется при рисовании портрета в фас. Асимметричная композиция, напротив, внесёт динамику и поможет зрителю «путешествовать» по формату. Асимметрия хорошо строится на неуравновешенных треугольниках и помогает скомпоновать сложную многофигурную композицию.
Это фундаментальные принципы, на которых держится вся изобразительность. К ним прибегали как древние мастера, так и революционеры искусства двадцатого века. Эти правила помогут вам перестать блуждать во тьме в поисках идеальной композиции для иллюстрации. Однако не забывайте сочетать их наиболее оригинальным и подходящим для ваших целей способом.
Ведь авторское видение в любом случае останется вашим главным оружием!
Цвет как проводник
Цвет — один из самых мощных инструментов в арсенале иллюстратора. Он способен задать настроение, подтолкнуть к нужному эмоциональному отклику, выделить главное и даже спрятать второстепенное. Цвет — это голос подсознания. Важно научиться управлять этим голосом не только стихийно и интуитивно, но и разумно.
В начале пути мы часто безотчётно выбираем оттенки по принципу «мне нравится», «так красиво». Но со временем приходит понимание, что цвет — это не столько украшение, сколько драматургия. Особенно очевидным этот принцип становится в стилизованной графике, где композиция и цвет часто оказываются основным выразительным языком.
Первые десять лет в профессии моим любимым приёмом было использование ярких цветовых акцентов в паре с чёрно-белой графикой. Это помогало выстроить восприятие, направить взгляд и, конечно, сэкономить время. Спустя годы мои работы стали наполняться цветом, потому что захотелось более настроенного и откровенного разговора со зрителем. Чтобы лучше ощутить влияние цвета на восприятие, можно посмотреть на работы современных иллюстраторов, которые мастерски управляют сложными цветовыми гармониями: например, Томер Ханука буквально гипнотизирует своими палитрами, а Саманта Мэш беззаботно играет на тонких контрастах и родственных оттенках.
Цвет в иллюстрации — это ответственный выбор, и чем прочнее под ним почва, тем сильнее работает эффект.
Теория цвета: основа визуальной кухни
Фундамент работы здесь — цветовой круг, который делит цвета на родственные и контрастные. Это не просто академическая абстракция, а удобная шпаргалка для подбора палитры.
Важно понимать три базовых параметра цвета:
• тон (собственно, сам цвет);
• насыщенность (чистота, сила звучания);
• светлота/яркость (насколько цвет приближен к белому или чёрному).
Например, красный может быть насыщенным и ярким (эффект тревоги), или тёплым и туманным, как кирпичная пыль (спокойствие, ностальгия). От этих нюансов будет зависеть восприятие всей сцены.
Цветовые лайфхаки
Универсальных схем немного, но каждая из них может стать настоящей выручалочкой — особенно при работе с сериями или сложным сюжетом. Вот мои любимые:
Чёрно-белая база + акцентный цвет
Отличный приём для построения фокуса. Цвет здесь работает, как магнит для глаз. Можно выбрать любой оттенок, достаточно контрастный по отношению к общему тону иллюстрации. На примере дополнительным цветом выступает оранжевый. Здесь приём использован, чтобы подчеркнуть атмосферу. Но может выделить и динамику, и ключевые элементы композиции.
Усложнённые контрастные цвета
Если взять два противоположных цвета и использовать их в разных состояниях тона и насыщенности (например, зелёный и красный, превратившиеся в мятный и розовый), можно создать спокойную, но выразительную сцену. Эмоционально — это тихий голос с неожиданным акцентом. Неопытный зритель увидит здесь многообразие оттенков, а профессионал — умелую работу с ограниченной палитрой. Использовать цвета можно по аналогии с предыдущим подходом: брать один ведущим, второй — акцентным. На примере дополнительный оттенок помогает придать динамику спокойной в остальном композиции.
Цветовой треугольник
Классическая трёхцветная гармония: два родственных цвета, третий — контрастный. Это хорошая схема, когда необходим яркий колорит. Главное здесь — помнить, что в гармоничной палитре нет открытых цветов. Всегда усложняйте оттенки, чтобы сделать сочетания более цепляющими. На примере жёлтый и красный создают главную эмоциональную и композиционную линию, а зёленый и светло-жёлтый служат поддерживающей спокойной базой.
Бесплатный фрагмент закончился.
Купите книгу, чтобы продолжить чтение.