Бесплатный фрагмент - Взгляните на меня с любовью

Почему мы исчезаем

так внезапно, так жестоко,

даже слишком, может быть?

Потому что притязаем,

докопавшись до истока,

миру истину открыть.

Вот она в руках как будто,

можно, кажется, потрогать,

свет ее слепит глаза…

В ту же самую минуту

Некто нас берет за локоть и уводит в небеса.

Булат Окуджава

---

Введение

Я искренне благодарю Бога и Вселенную за мой талант писать. Считаю, что каждый человек должен делиться своим талантом и умением с окружающими. А то, можно и лишиться этого дара. Настанет день, и мы обязательно ответим за свои мысли, слова, таланты и тело. Я благодарю людей, которые искренне помогли мне при написании и сборе информации для книги. Моего мужа, детей и сестер Снежану и Анастасию за понимание и поддержку. Архангельское ВТО СТД, Ольгу Истомину, редактора журнала «Бенефис», Нину Борисовну Самойлович, зав. литчастью Архангельского театра им. Ломоносова. Удивительного Александра Дроздецкого и Александра Дунаева. Татьяну Зайцеву, режиссера детского творческого объединения «Галатея». Огромное спасибо Тиму Дорофееву, основателю архангельского джаз-клуба, Анатолию Конычеву, председателю правления Региональной общественной организации «Союз кинематографистов Архангельской области», и Евгении Танасейчук, директору театральной школы СТЕЦ. Благодарю также актера театра ЛДМ (Санкт-Петербург) и ведущего радио Sputnik Игоря Викулова, артиста Архангельского драматического театра, поэта Дмитрия Белякова, поэта Виктора Мосягина, Валентину Южакову — председателя Пинежского землячества. Отдельная благодарность семье Милехиных, в частности сестре Сергея Борисовича Ольге Борисовне Милехиной и ее мужу Игорю Анатольевичу. Спасибо вам, люди! Без вас бы не было этой книги.

Весь мир — театр, а люди в нем — актеры

---

Трудно на сегодняшний день представить Архангельский драматический театр без этого артиста.

Он прошел очень сложный, но познавательный и поучительный путь от студента ГИТИСа до заслуженного артиста РФ.

«Актер интеллигентный, думающий, с прекрасными внешними и вокальными данными, которому подвластны все жанры: комедия, драма, фарс, трагедия, он отлично чувствовал себя в жанре «комедия положений», — так пишет о Сергее Чуркине пресс-служба Архангельского театра драмы.

Сергей Борисович Чуркин появился на сцене Архангельского драматического театра им. Ломоносова в 1994 году и до 2021 года сыграл более 60 разноплановых ролей.

Долгое время зрители, СМИ и жюри театральных фестивалей называли Чуркина лицом поморского Драматического театра и неоднократно отмечали, как лучшего актера сезона.

В 2008 году он стал лауреатом Третьего областного театрального фестиваля «Ваш выход!» в номинации «Лучшая мужская роль» за роль Гавриила в спектакле «Вышел ангел из тумана» П. Гладилина.

С декабря 2010 года Сергей Чуркин являлся председателем Архангельского регионального отделения Союза театральных деятелей (Всероссийское театральное общество).

В этом же году он становится лауреатом Четвертого областного театрального фестиваля «Ваш выход!» в номинации «Лучшая мужская роль второго плана» за роль Отелло в спектакле «Фуршет после премьеры» В. Красногорова.

В 2011 году Сергею Чуркину присвоено почетное звание «заслуженный артист РФ». В этом же году роль Геннадия Несчастливцева в спектакле «Лес» решением жури Пятого регионального фестиваля «Ваш выход!» была признана лучшей мужской ролью.

Вот как отзываются о Сергее Чуркине люди, знавшие его.

Елена Ялкина:

«Ты подтвердил своей жизнью, что артист — это кладбище несыгранных ролей. Ты мог бы сыграть! Мог бы! Но не дали… Долгие годы для зрителей ты был лицом Архангельского театра драмы. Сережа, ты был настоящим парнем — талантливым, добрым, харизматичным! С большим чувством юмора!»

«Ты другой жизненной школы, но мы тебя очень любим, помним. Не скрою, мы всегда восхищались твоей профессиональной оснащенностью», — пишут в социальных сетях актеры Архангельского молодежного театра В. П. Панова.

В последние годы Сергей Борисович работал как создатель авторских моноспектаклей, представленных на нескольких культурных площадок Архангельска и получивших высокие оценки зрителей.

Ольга Калинина:

«Мой любимый актер. Самый лучший. Первый, незабываемый и на всю жизнь. Лучший «Дикарь» всех времен и народов. Очень глубокий и отчаянный Несчастливцев, смешной Пигден, наивный и доверчивый Белугин, забавный мещанин, обескураженный художник.

Может быть и простаком, и интеллигентом, но всегда «свой». Любая его роль делает спектакль незабываемым. Мне посчастливилось ходить в театр и смотреть на него еще 12 лет назад. Непонятно для меня было, почему эта громадина еще в провинции. Ответ ясен: потому что любил свой родной театр.

Очень искренний человек с великой русской душой нараспашку. Мощный, стремительный, динамичный, эксцентричный, высокий, с бархатным голосом с хрипотцой, с русыми густыми волосами и серо-голубыми глазами, наполненными тоской, глубиной, как зеркало русской души!» — такой комментарий в социальных сетях оставила одна из зрительниц Архангельского драматического театра.

А. Н. Островский, «Шутники»
(1993 год, режиссер В. С. Терентьев)

Сергей Чуркин в эпизодической роли приятеля.

Этот спектакль был поставлен в Архангельском училище культуры (сейчас — колледж культуры и искусства), в большом зале. Под сцену тогда приспособили склад, где хранились музыкальные инструменты. Сами артисты обустраивали это пространство, чтобы творить чудо — искусство театра. Первым спектаклем, сыгранным на этой импровизированной сцене, были «Шутники».

Именно «Шутников» в своих «Записках по поводу „Правил о премиях“» сам Островский назвал среди пьес, «которые должны быть непременно в репертуаре всякого русского театра, если он хочет быть русским». В «Шутниках» есть все, чтобы завоевать и удержать зрительское внимание. Тщательно скрываемая страстная любовь богатейшего немолодого купца (даром, что ли, фамилия Хрюков?) к доброй, гордой и, конечно, бедной девушке. Растраченные казенные деньги. Безобидные (и очень небезобидные) розыгрыши, переходящие в настоящую интригу, чуть не сводящую с ума главного героя — отставного чиновника Оброшенова. В спектакле Островский и режиссер ставят героев и зрителей перед современной проблемой: бедность, конечно, не порок, но настоящую свободу могут дать только деньги. Они завязывают этот тугой узел проблем, по-настоящему сокрушаясь, что человеческое счастье может попасть в зависимость от трехсот рублей. Но в «Шутниках» дано победить чести, любви и достоинству.

«Мы идем смотреть Чапаева»
(1993 год, режиссер-педагог Валерий Сергеевич Колосов)

Учась в студии, Сергей участвовал в спектакле «Мы идем смотреть Чапаева», который был поставлен Валерием Сергеевичем Колосовым в большом репетиционном зале Архангельского драмтеатра. Этот спектакль был показан один раз главному режиссеру театра, актерам и родным студийцев. Но именно его ребята смогли сыграть по-настоящему, профессионально. Декорации были простыми, пространство организовано очень хорошо, все было по-взрослому, особенно та атмосфера, которая царила на этом спектакле. Постановка сплотила ребят-студийцев как профессионалов, ярких и интересных личностей. Они и составляли костяк архангельской труппы.

О чем был спектакль?

Фильм «Чапаев» был любимым у Сталина. Вождь смотрел его со слезами на глазах больше 30 раз. Теперь этот фильм — один из любимых у Путина. Обожает эту киноленту и главный герой спектакля, советский инженер Тимошин.

…Одинаковые квартиры. Колбаса в холодильнике на случай праздника, Nirvana в наушниках. Но не только ностальгия по ушедшей эпохе восьмидесятых привлекает внимание зрителей. В семье Тимошина вроде всё как всегда: жена на кухне, дочь в выпускном классе, деньги в другой реальности. Он и не жалуется. Но в один вечер теряет всё. Что выберет скромный немолодой работяга? Останется дальше прозябать в быту и безденежье или бросит семью, уедет за первой школьной любовью?

Спектакль о советской реальности, о рутине и беспросветном одиночестве в семье из трех человек. Режиссер не нагружает семейный конфликт ссорами, криками, эпатажными выходками. Наоборот, череда добрых острот и безобидных шуток держит зрителя в бодром состоянии. Актриса Яна Бутенко в роли жены Тимошина совмещает прозорливый женский ум с безбашенными выходками, подколами мужа. Ее героиня — прообраз всех советских матерей, которые чудом успевали заработать, накормить, одеть, пожурить и похвалить. Дочь Тимошиных, острая на язык, лихая на поступки, приковывает зрительский интерес своей детской внешностью и глубокими, достойными внимания взрослыми репликами. Наполняют историю юмором и дружеской теплотой двое из ларца — милиционер и уличный алкоголик. С ними скромняга-инженер раскрепощается и за рюмкой-другой обнажает всю подноготную. У друзей общий вкус: все они фанаты фильма «Чапаев». Тут можно вспомнить фразу «Каждый Новый год мы с друзьями ходим в баню», только в случае Тимошина не в баню, а в кинотеатр. И не только на Новый год. Советский быт, знакомый молодежи по фильмам, а поколению постарше — по собственным воспоминаниям, воссоздан с детальностью до фотокарточек на стене, до цветастого пледа на скрипучем диване. На сцене — бутафорская мебель, не пластиковые цветы в горшках, а реальные вещи. Не стоит думать, что спектакль, где столько советских реалий, будет скучным или непонятным для молодого поколения. Наоборот, это шанс увидеть родителей в их школьные годы. Хотя условия жизни меняются, человек остается прежним: последние годы учебы в школе — это всегда стресс для родителей и детей, первая любовь всегда мучительна, мама с папой всегда вздорят и всегда мирятся. По крайней мере в этой истории.

Эдмон Ростан, «Романтики»
(1994 год, режиссер-педагог Валерий Сергеевич Колосов)

Сергей Чуркин в роли Персине.

Отрывок из книги Ю. И. Угарова «Театральный Архангельск: история театрального искусства в Архангельске»

«Комедия «Романтики» французского драматурга Э. Ростана появилась в репертуаре внепланово. Это дипломная работа студентов театрального отделения Архангельского училища культуры (1994 г., режиссер-педагог В. Новиков). Само название спектакля определяло дух комедии «плаща и шпаги». Спектакль радовал глаз красочностью оформления и костюмов героев, слух — великолепием ростановского стиха и обилием музыки, а все вместе — хорошо закрученной интригой и стремительностью действия. Искрометный юмор, дерзкие похищения, смелые поединки и благородные подвиги… В сюжете спародирована трагедия Шекспира «Ромео и Джульетта»: между юношей и девушкой из двух якобы враждующих семейств, Персине и Сильветой, вспыхивает страсть. Настоящей любви все преграды нипочем, и любые препятствия со стороны родителей только распаляют чувства истинных романтиков! Персине и Сильвета, начитавшись романтической литературы, даже мечтают об опасностях и приключениях. Впрочем, очень скоро выясняется, что ненависть между семействами показная: она разыгрывается отцами влюбленных, чтобы добиться брака между наивными отпрысками… Узнав об обмане, разочаруются ли молодые люди в своих идеалах или же, наоборот, их чувства от этого лишь окрепнут?

Выпускники училища культуры, пополнившие труппу архангельского театра, были молоды и увлечены. Хороши были основные герои — влюбленные Сильвета (Е. Смородинова и Н. Латухина) и Персине (С. Чуркин), старый скряга Паскино (А. Дунаев). В 1994 году на сцене игрались спектакли для малышей и для взрослых, но был не охвачен средний и старший возраст подрастающего поколения. Для них в те годы оставались только «Романтики» Э. Ростана. Воспитанные на дискотеках и поп-концертах, тинейджеры, привыкшие к раскованному поведению, оказались совершенно не готовы к восприятию театрального искусства».

Отзывы зрителей

Анастасия Потехина:

«Комедия малоизвестная, но замечательно смешная, обличающая увлеченность романтическими историями о похищениях, дуэлях, восставших мертвецах, свиданиях под луной и скитаниях по дальним странам. Молодежи жуть как хочется почувствовать себя Ромео и Джульеттой, а что делать, если и кровная вражда между семействами ушла в прошлое, и маньяки в темных аллеях нападать не торопятся? И, главное, что делать их почтенным родителям, когда счастливый брак между детьми устроить хочется, а детям вынь да по ложь приключения? Правильно — обратиться за помощью к актеру, готовому за определенную плату инсценировать из ряда вон выходящее событие любой сложности. Естественно, все старания идут насмарку, и приходится доказывать романтикам, что мечты тем и хороши, что не воплощаются в реальность. Постановка грешит некоторой адаптацией под детский спектакль, однако заскучать не дает, а темпераментное выступление плута Страфореля в роли выдуманного маркиза, собравшего в своей роли все качества романтического героя, во многом спасает сюжет изрядной долей качественного юмора — да и вообще сей персонаж по степени комизма постоянно перетягивает на себя одеяло с остальных. В целом же спектакль, обрамленный в красивые пасторальные декорации и костюмы, смотрится легко и приятно».

Екатерина Селиверстова:

«Отличный спектакль, один из моих любимых. Здесь есть все, что так мне нравится: стихотворный слог, приправленный тонким юмором, добрым и понятным; само время, в котором разворачивается действие пьесы; жанр — «романтическая комедия или, скорее, «иронический роман», и, безусловно, happy end, которого так порой не хватает в жизни. Этот спектакль можно порекомендовать всем, кто хоть как-то увлекается театром. Актеры просто на отлично преподносят юмор, что, как мне кажется, ужасно сложно при нынешних вкусах и разнообразии публики. Браво! Спектакль заряжает положительными эмоциями на долгое время».

А. Арбузов, «Мой бедный Марат»
(2000 год, режиссер С. Симонян)

Сергей Чуркин в роли Леонидика.

«Мой бедный Марат» на сцене Архангельского театра — это неоднозначная работа режиссера Симоняна. Постановка повествует о судьбе двух мужчин и одной женщины, чьи дороги пересеклись в блокадном Ленинграде. Классический любовный треугольник, где один — красивый и умный (Марат), а второй — и нелепый (Леонидик). Мужчины уходят на войну, а когда она заканчивается, то Марат возвращается с орденом на груди, а Леонидик — калекой без руки. И снова девушка, любя Марата, волею судьбы выбирает несчастного Леонидика. Мужчине не остается ничего другого, как покинуть любимую женщину. Однако через какое-то время Марат не выдерживает и приезжает, тогда говорить начинает Леонидик… Трогательная история любви, где каждому приходится делать свой выбор.

Отзывы зрителей

Екатерина Морозова:

«Я бы поставила игре актера наивысшую оценку. А любовь зрителей и понимание материала еще раз доказывает нам, насколько его игра профессиональна и проста для зрителя.

Спектакль держат на себе три актера. Порою, наблюдая за действием, ты боишься вздохнуть, а когда на сцене происходит очередная «вспышка», у тебя колотится сердце. Больше всего в спектакле завораживает ЧЕСТНОСТЬ. Честность в сердце актера, режиссера и зрителя. Все чисто, происходит полное опустошение и возвращение в реальность. Завораживает, вот и всё».

Михаил Яковлев:

«Очень душевно, скажу я вам. Высокий уровень игры, тема выбрана правильно, все было настолько красиво, что я аж залился слезами».

Юлия Славнова:

«Весь спектакль не отпускала мысль о том, что «всё, что касается тебя, касается и меня». Только так явно мы осознаем привычное: «Никто не забыт, ничто не забыто». И это вдруг обретает не умственное, а осязаемое, настоящее значение — потому что касается твоего собственного сердца. Значит — точно не забыто. Марат хочет строит мосты, соединять берега. После спектакля это уже не просто слова главного героя, а, может быть, арбузовская метафора: «Берега времени — берега путей…". Пусть ненадолго, на полтора часа, берега соединились. Почему мы так мало говорим об этом? Главные герои «громко и долго молчали». Только в одном эпизоде вспоминая вкус, делились простыми, забытыми продуктами, доедая крохи самой сытной на свете посылки, самой сладкой на свете сгущенки. Мы молчим… Мы сыты обилием… «Я бы сказал, но не скажу», — говорит Марат. Вот и мы помолчим. А берега… соединяются».

В. Катаев, «Квадратура круга»
(2012 год, режиссер Петр Орлов)

Сергей Чуркин в роли поэта Чернозёмова.

Квадратурой круга называлась древняя математическая задача — построение искомого квадрата. В этой знаменитой задаче от нас требуют с помощью циркуля и линейки построить квадрат, площадь которого равна площади данного круга. В античную эпоху были найдены лишь приблизительные решения этой задачи. В 1882 году ученые доказали, что эта задача в принципе нерешаема. Хотя усилия математиков не увенчались успехом, наша речь обогатилась еще одним крылатым выражением. «Квадратура круга» — так стали называть всякую неразрешимую задачу и нереальные проекты. А ведь на первый взгляд, ничего сложного…

Пьеса «Квадратура круга» была написана Катаевым в 1928 году. Само по себе удивительно, что в разгар НЭПа, когда вовсю процветает советская мораль, Катаев пишет водевиль.

Итак, 1920 годы — «Власть советская пришла, жизнь по-новому пошла!» И ценности «новой жизни» подбросили главным героям испытание, сложную математическую задачу, но найти выход из «квадратуры круга» непросто! По силам ли нашим героям такая задача?

Советскую пьесу, в сценической судьбе которой есть много общего с сегодняшней реальностью, охотно ставили за рубежом: в 1963 году пьеса Катаева оказалась спасательным кругом для молодежного театра «Офисина» в Сан-Пауло. Постановка Мориса Вано помогла избежать банкротства и оказалась очень успешной! Да и можно ли представить строительство «новой жизни» без любви?

Как-то зимним утром в конце 20-х годов Абрам женился на товарище Тоне, а Вася, его друг и сосед по комнате, — на миленькой Людмилочке. Только теперь как-то нужно сообщить друг другу, что жить придется вчетвером. Но любовь вносит свои коррективы. Сердца четырех учащенно бьются, головы кружатся, все путается. Потому что любовь, товарищи, это не штамп или жилплощадь. Начинается настоящий водевиль. Четырем молодоженам придется разыграть каламбур любви и выяснить, кто же кому подходит. Фокстрот и водевильная легкость, строительство коммунизма и беззаботность, НЭП, обаяние эпохи, время наивной веры в лучшее, время новой молодой страны. Голодное и бурное, стремительно юное время.

Главная мысль спектакля: «Любите друг друга, а не валяйте дурака».

Время в комедии Архангельского театра обретает свои очертания, где-то поэтические, где-то прозаические персонажи живут в «углах» эпохи становления советской власти. Вестником новой власти является поэт с громким именем Емельян Черноземный в исполнении Сергея Чуркина. С одной стороны, он отражает поэтические тенденции 1920-х годов — вспоминает о Есенине, Демьяне Бедном, с другой — выполняет функции автора-повествователя, комментирующего происходящие события и, кстати, вполне справедливо: «Подобным образом жениться никоим разом не годится». Его появление вносит в каждую сцену балаганное настроение. Веселый балагур с гитарой, он врывается в смутные для героев моменты жизни и по-своему, с референсами, осмысляет советскую деятельность. Поэт в этой комедии — пророк с пролетарским уклоном.

Отзывы зрителей

Николай Потемкин:

«Очередное чудо. Легко, смешно, цельно. Очень понравилось. Отдохнул душой, испытал много положительных эмоций. О чем говорить… Мне 50, а кругом в зале молодежь, а она у нас сейчас очень избирательная. Раз ходят, смеются и рукоплещут — значит театр достоин высших похвал. Спасибо вам еще раз за доставленное удовольствие. Браво!»

Марина Лютина:

«Прекрасная игра актеров, легкость жанра, абсолютно современная пьеса на все времена. Получила огромное удовольствие от просмотра спектакля».

Александр Солженицын, «Один день огромной страны»
(2013, 2016, режиссер
Александр Горбань)

Сергей Чуркин в роли Ивана Денисовича.

Под большой красной звездой стоит женщина и проникновенно поет песню о двух соколах: «Один сокол — Ленин, другой сокол — Сталин…» — так начинается спектакль «Один день огромной страны», созданный режиссером Александром Горбанем по собственному сценарию, в основе которого — знаменитая повесть Александра Солженицына «Один день Ивана Денисовича». И это именно день страны, поскольку повествование простирается далеко за пределы лагерного барака, выходит на обобщения огромного масштаба. Зрительские ряды установлены прямо на сцене, мало того, большая часть зрителей рассажена на стульях на сценическом кругу, можно сказать, в эпицентре событий. А действие происходит на всем пространстве сцены и зала, захватывая балкон. Круг часто двигается, вовлекая актеров и зрителей в круговорот сценической жизни (сценографию и костюмы разработал Андрей Тимошенко).

Атмосфера лагеря ощущается с первых минут спектакля: на помост выходит офицер в сопровождении надзирателей и грозно предупреждает зрителей о необходимости отключить мобильные телефоны, о запрете на фото- и видеосъемку, о том, что нельзя вставать с места и двигать стулья, и еще о том, что нужно по возможности аплодировать. И вдруг резкий окрик: «Закрой дверь, падла! Дует», — эта фраза еще неоднократно прозвучит в представлении, создавая жуткий рефрен.

Спектакль, по сути дела, представляет собой дерзкую фантазию на заданную тему с активным использованием различных образов, вызывающих неожиданные ассоциации. Так, время от времени по сцене разгуливает сам Сталин (правда, в программке он обозначен дореволюционной партийной кличкой Коба), причем в обличии комедийного актера Евгения Нифантьева.

Зрители слышат в его исполнении знаменитое обращение Сталина к согражданам в начале Великой Отечественной войны, а потом — и вовсе грузинскую песню «Сулико». И еще неоднократно этот персонаж будет подавать неожиданные реплики и вмешиваться в ход действия. Фашистскую Германию в спектакле, видимо, олицетворяет гимнастка в черной кожаной мини-юбке, демонстрирующая упражнения с красной лентой (Наталья Овсянникова). Парадоксального, даже эпатажного в этом спектакле довольно много, что отличительной особенностью режиссерского стиля А. Горбаня. Часто ощущается мозаичность, разорванность, необязательность того или иного действия. Но такой калейдоскоп, в котором переплетаются компоненты, видимо, нужен режиссеру для создания необходимой атмосферы. Важно, что цементирующим постановку средством записи авторского чтения повести, которые время от времени звучат из динамиков.

Коллективным главным аспектом спектакля становится 104-я бригада зэков, в которой состоит Иван Денисович Шухов, он же заключенный под номером Щ-854, от лица которого ведется повествование, в исполнении Сергея Чуркина. Шухов, конечно же, в центре, ему отведена ведущая роль, из его уст звучат важные слова, но все равно часто подчеркивается, что он всего лишь частица единого целого, и потому он ничем не выделяется из толпы. Шухов — плоть от плоти лагерников, он слился с зоной, приноровился к ее жестоким законам, по-разному старается подстроиться под ритм лагерной жизни. Однако мыслями часто переносится домой, поэтому в его воспоминаниях материализуется жена Нюра (Елена Смородинова), которая становится активной участницей представления. Это именно она поет песню в прологе спектакля, она действенно переживает за судьбу мужа, рассказывает ему в письмах о колхозных новостях, о доходном ремесле красильщиков, мечтает о будущем благополучии их семьи, появляется вновь и вновь на различных участках огромного игрового пространства. Фрагментарно зрители знакомятся со страницами биографий других членов 104-й бригады: бригадира Тюрина (Иван Морев), основательного крепкого мужика, именно из его воспоминаний периодически, как видения, выпархивают на сцену изящные девушки с чайниками, волнуя и будоража заключенных; кавторанга Буйновского (Андрей Калеев), матерого морского волка, привыкшего командовать, а потому ох как нелегко ему приходится в лагере; оптимистически настроенного помбригадира Павло (Владимир Нерадовский) («парень молодой, кровь свежая, лагерями еще не трепан, на галушках украинских ряшка отъеденная», как пишет о нем автор). Важными для концепции спектакля становятся два образа-антипода: Алешки-баптиста (Вадим Винтилов), проповедующего непротивление и упование на божью милость, и хлопчика-гопчика (Михаил Кузьмин), олицетворяющего бесшабашный пофигизм и плутовство. Символом насилия и притеснения зэков выступает вальяжный циник — начальник режима лагеря Волков (Дмитрий Кугач), и фамилия-то у него говорящая.

Много символичного в этом спектакле, насыщенного конкретными и абстрактными деталями: бег строем с руками за спиной — жуткое, бьющее по нервам зрелище; покрикивающие вертухаи, разгуливающие с метелками вместо ружей; видеопроекция рукоплещущего съезда и запись страстной фанатичной речи некой делегатки, прославляющей партию и правительство; коллективное фотографирование со Сталиным-мастеровым во главе, который в фартуке самозабвенно трудится за точильным станком. И главный символ спектакля — старый потертый чемодан, большое множество чемоданов, с ними носятся герои, из них, как из кирпичей, складывают стену, ими ловят швыряемые миски, да мало ли еще какие действия можно с ними произвести. Но это, конечно же, не просто узнаваемая вещь, а символ — символ человеческой души, того физического и духовного багажа, который накапливает за жизнь каждый человек, а еще символ бренности бытия.

Картины лагерной жизни из повести А. Солженицына дополнены в спектакле разудалыми блатными песнями, пронзительным стихотворением А. Кочеткова «С любимыми не расставайтесь», финал которого звучит в исполнении Кобы-Сталина. И еще один важный символ: многократно повторенная всеми героями — зэками, вертухаями, девушками — фраза «А я при чем?», с изумлением на лицах, обращенных к зрителям, а потом с тем же изумлением эту фразу произносит Сталин, и повисает вопрос, ответ на который камнем ложится на совесть зрителей. Символичен финальный почетный круг Шухова: своим — членам бригады — он пожимает руку, а мимо надзирателей проезжает, не глядя на них, склонив голову. И в самом финале — пронзительно-звонкая песня Б. Окуджавы «Надежды маленький оркестрик», исполняемая всеми участниками спектакля. А что еще остается, кроме надежды? Бегает Шухов, заглядывает в глаза зрителям: «Мы переживем?» Актуально? К сожалению, да. И если забудем, что было, не пришлось бы потом расплачиваться. А так, конечно, переживем! «Не верь, не бойся, не проси!» — эти ставшие уже крылатыми слова Солженицына помещены в программке, видимо, в качестве эпиграфа или девиза. «Прошел день, ничем не омраченный, почти счастливый».

В спектакле звучит стихотворение Александра Солженицына «Каменщик» в исполнении Сергея Чуркина в образе Шухова:

Вот — я каменщик. Как у поэта сложено,

Я из камня дикого кладу тюрьму.

Но вокруг — не город: зона. Огорожено.

В чистом небе коршун реет настороженно.

Ветер по степи… И нет в степи прохожего,

Чтоб спросить меня: кладу — к о м у?

Стерегут колючкой, псами, пулеметами, —

Мало! Им еще в тюрьме нужна тюрьма…

Мастерок в руке. Размеренно работаю,

И влечет работа по себе сама.

Был майор. Стена не так развязана.

Первых посадить нас обещал.

Только ль это! Слово вольно сказано,

На тюремном деле — галочка проказою,

Что-нибудь в доносе на меня показано,

С кем-нибудь фигурной скобкой сообща.

Переклич дробят и тешут молотки проворные.

За стеной стена растет, за стенами стена…

Шутим, закурив у ящика растворного.

Ждем на ужин хлеба, каш добавка вздорного.

А с лесов, меж камня — камер ямы черные,

Чьих-то близких мук немая глубина…

И всего-то нить у них — одна, автомобильная,

Да с гуденьем проводов недавние столбы.

Боже мой! Какие мы бессильные!

Боже мой! Какие мы рабы!

Отзывы зрителей

Татьяна Бурушкина:

«Это просто великолепно! Погрузили в атмосферу одного дня по-настоящему! Класс!»

Илона Петрова:

«Спектакль замечательный! Ходили всей семьей. Дочь-подросток была неподготовлена по материалу, не все поняла, по сути, но была в восторге от самой атмосферы и постановки спектакля. Очень понравилась игра актеров. Необычно, зрелищно, проникновенно!

Совет всем, кто не ходил, чтобы полностью все охватить, лучше садиться на стулья, в круг».

Татьяна Кокшарова:

«Какие же вы молодцы!!! Не перестаю восхищаться нашей труппой!!! Хочу в следующем сезоне посмотреть этот спектакль еще раз, но сяду уже в круг, на стулья. Вы гордость нашего города! Вы наша радость!»

Анастасия Немцова:

«Просто космос… Спасибо за спектакль. Побольше бы таких серьезных спектаклей на архангельской сцене».

Григорий Горин, «Поминальная молитва»
(2012–2015, режиссер Петр Орлов)

Сергей Чуркин в роли Менахема-Мендла.

Эпиграф к спектаклю — слова Шалома-Алейхема: «На моей могиле в каждую годовщину моей смерти пусть читают по мне поминальную молитву… А если читать молитву не будет особого желания — пусть выберут какой-нибудь рассказ из самых веселых рассказов и прочитают вслух на любом языке. И пусть мое имя будет упомянуто лучше со смехом, нежели вообще не упомянуто…»

Спектакль — это, несомненно, «человеческая драма на фоне исторических перемен». В постановке столько любви, что кажется, все пронизано ею! С первой минуты ты погружаешься в атмосферу любви и света.

Все происходит в дореволюционной России, в местечке Анатовка, в котором живут вместе русские, украинцы и евреи. Живут мирно, и дальше так и жили бы, несли бы не политика государства.

В этой истории хорош урядник, находящийся в добрых отношениях со всеми — и с русскими, и с евреями. Он явно страдает из-за того, что вынужден «претворять в жизнь политику партии». Он предупреждает евреев о грядущем погроме и упрашивает их вести себя аккуратно, он, сколько находит возможным, помогает землякам, но идти против власти, конечно, не в силах. Очень чувствуется, насколько тяжело уряднику дается все происходящее, как ни странно — даже жаль его. Но главные герои, конечно же, — это семья Тевье-молочника.

Роли в спектакле исполняют: Тевье-молочник — Андрей Калеев, Голда, жена Тевье, и Цейтл — Тамара Волкова, Голда — Гульсина Гусева, Хава — Мария Беднарчик, Шпринца — Даша Кожевникова, Бейлке — Лида Кожевникова, Мотл, портной — Михаил Кузьмин, Перчик, студент — Иван Братушев, Менахем-Мендл — заслуженный артист РФ Сергей Чуркин, мать Менахема- Мендла — заслуженная артистка РФ Людмила Бынова.

Пара Тевье и Голда невероятная, даже забываешь в какой-то момент, что это актеры — настолько они естественные, любящие и трогательные в своих сценических образах. Философ Тевье и мудрая Голда кажутся идеальной парой и идеальными родителями. И, конечно же, невероятный, обаятельный, предприимчивый и неунывающий Менахем…

Получился добрый, мудрый, выразительный спектакль о главных человеческих ценностях: о любви и преданности, о великодушии и умении прощать. Режиссер выстраивает убедительные и запоминающиеся мизансцены, хорошо подчеркивает проявление характеров героев. Сценография Дмитрия Дробышева символична: занавес и задник сделаны из досок, которые соприкасаются с друг другом, издавая характерные звуки; на досках проступают с одной стороны — лики православных святых, с другой — древние еврейские письмена. Декорация двухъярусная, внизу стол, скамьи, мост, наверху маленькая площадка, на которой расположился еврейский оркестрик. Конструкция вращается, мебель свободно передвигается по сцене на колесиках, создавая различные антуражи сценических действий. Музыка Владимира Бруса стилизована под еврейский и русский фольклор, лирические темы, используемые в самые драматические моменты представления, — пронзительно-надрывные и душещипательно-нежные. Пластично поставленные массовые сцены, зажигательная хореография Эдуарда Соболя впечатляют. Успех спектакля во многом зависит от качества актерских работ, ведь какие бы режиссерские и сценографические замыслы ни примерялись, без хорошей, чуткой и умной игры ничего не получится.

Исполнитель центральной роли Тевье Андрей Калеев сумел создать обаятельный и убедительный образ своего героя — честного труженика и простодушного мудреца, человека порядочного и ироничного, который имеет твердые убеждения и крепкий нравственный стержень. Вот Тевье плетется, впрягшись в телегу с молочными бидонами, философствует, ведет беседу по душам с Богом, вот изображает грозного отца семейства, однако с весьма податливым и мягким сердцем, может вступить в остроумную перепалку с женой, или с урядником, или богатым соседом. Сдержанный и основательный, он сразу располагает к себе, вызывает сочувствие и симпатию зрителя.

Самый пронзительный, самый глубокий и запоминающийся образ в спектакле создала Гульсина Гусева в роли Голды, жены Тевье. Острая на язык, решительная и стойкая, она представляется воплощением доброты и надежности. Голда — заботливая хозяйка, самоотверженная жена и мать. Актриса в спектакле достигает высочайшего уровня в отображении и комизма, и трагизма. Кульминацией представления становится сцена смерти Голды: тяжело больная, она помогает своей ворожбой разродиться дочери, можно сказать, дарит жизнь новорожденной внучке и умирает с осознанием исполненного долга. Появляется белый ангел, олицетворяющий душу Голды и ее внучки, которая будет названа в честь бабушки. А потом появляется черный ангел как предвестник трагических перемен в жизни героев.

Яркая, броская, очень выигрышная роль Менахема досталась Сергею Чуркину, который сделал ее еще более блестящей. Несгибаемое жизнелюбие и бесшабашный авантюризм так и прут из героя. Артист играет хлестко, смешно, укрупняя и смакуя талантливые реплики и репризы, щедро подаренные автором этому персонажу. Среди хороших актерских работ можно отметить: простодушного и обаятельного Степана (Александр Дунаев, затем Дмитрий Кугач), чувствительного и трогательного мясника Лейзера (Константин Феофилов), справедливого и безбашенного урядника (Евгений Нифантьев), тщедушного и шебутного Мотла (Михаил Кузьмин); отлично играют исполнительницы ролей старших дочерей Тевье: Тамара Волкова (Цейтл), Мария Новикова (Годл), Мария Беднарчик (Хава). Очень впечатляют массовые сцены.

В спектакле есть ряд выразительных и символичных эпизодов, оказывающих сильное эмоциональное воздействие на зрителя. Так, в финале первого действия веселая еврейская свадьба сменяется беспощадным погромом — жутко, страшно! А тут еще на деревянном занавесе появляется кровавая надпись «Смерть жидам!» — как удар под дых, заставляющий, превозмогая боль, осознавать действительность. Впечатляет ритуальное мытье полов, которое совершают еврейские женщины перед тем, как вынужденно покинуть родной дом. Заколачиваются окна оставленных домов, и из досок формируется не что-нибудь, а шестиконечная звезда Давида. В конце спектакля помост превращается в вагон поезда, увозящий героев в неизвестность.

Концептуальным и значимым представляется эпилог: дети, играя, пишут мелом на досках занавеса свои имена, вдруг высвечивается задник, который оказывается записан еврейскими и русскими именами вперемешку. Зритель испытал катарсис от увиденного и в полном восторге и одновременно со слезами на глазах дарит аплодисменты артистам.

Хочу поделиться историей одного еврея в 1941 году.

Один еврей, владелец само знаменитой пекарни в Германии, часто говорил:

«Знаете, почему я сегодня жив? Я был еще подростком, когда нацисты в Германии убивали безжалостно евреев. Нацисты отвезли нас поездом в Аушвиц. Ночью в отсеке был смертельный холод. Нас оставляли дни напролет в вагонах без еды, без кроватей, а значит без возможности как-то согреться. Шел снег и холодный ветер морозил нам щеки. Нас было сотни людей в те холодные, ужасные ночи. Без еды, без воды, без укрытия. Кровь замерзала в жилах. Рядом со мной был пожилой еврей, любимый в моем городе. Он весь дрожал и выглядел ужасно. Я обхватил его руками, чтобы согреть. Обнял его крепко, чтобы отдать немного тепла. Растер ему руки, ноги, лицо, шею. Я умолял его остаться в живых. Я ободрял его. Я всю ночь согревал этого человека. Я сам был уставшим и замершим. Пальцы окоченели, но я не переставал массировать тело этого человека, чтобы согреть его. Так прошло много часов. Наконец наступило утро, солнце начало сверкать. Я оглянулся вокруг себя, чтобы увидеть других людей. К своему ужасу, все, что я мог видеть, — это были замершие трупы. Все, что мог слышать, — это была тишина смерти. Морозная ночь убила всех. Они умерли от холода. Выжили только два человека: старик и я. Старик выжил, потому что я не давал ему замерзнуть, а я выжил, потому что согревал его. Позволишь мне сказать секрет выживания в этом мире? Когда ты согреваешь сердце других, тогда и сам согреваешься. Когда ты поддерживаешь, укрепляешь и воодушевляешь других, тогда и сам получаешь поддержку, укрепление и воодушевление. Это и есть секрет счастливой жизни!»

Отзывы зрителей

Анна Потемкина:

«Мы с мужем случайно попали на спектакль — приехали в гости из Москвы. Это шедевр! Замечательная постановка, прекрасные актеры, правильное распределение ролей! И рыдали, и смеялись на спектакле. Есть что переосмысливать».

Артем Белых:

«Бесспорно, это лучший спектакль, который я когда-либо вообще видел в театре. И советую его всем — даже тем, кому театр вообще неизвестен. Блестящий текст Григория Горина, искренняя и проникновенная игра актеров, уникальные декорации-трансформеры, музыка, которая точно станет бессмертной, — все здесь сделано для того, чтобы любимый театром зритель сначала смеялся, потом плакал, а затем расхохотался вновь, но уже сквозь слезы. А самые мощные сцены всплывают в памяти даже через несколько лет после просмотра. Моя оценка… Да какие тут могут быть оценки, когда видишь рядом с собой столько живых эмоций!»

---

Актер Сергей Чуркин:

«Театр заставляет думать и чувствовать»

---

— 2014 год объявлен Годом культуры в России. В честь этого сказано много пафосных речей. А как на самом деле обстоят дела? Замечают ли перемены к лучшему сами работники культуры? К примеру, артисты?

— Я пришел в театр, когда в зрительном зале народа было меньше, чем на сцене. Люди сидели в шапках и шубах. С потолка лилась вода. Мы по шесть-восемь месяцев не получали зарплату. Но нас это научило выживать, искать другие формы заработка денег. Мы ходили по школам, по детским садам, предлагали себя. И хоть сегодня стало гораздо лучше, чем тогда, финансовая ситуация в культуре по-прежнему оставляет желать лучшего.

Ну а вообще театр постоянно меняется: приходят новые режиссёры, а актеры предлагают новые прочтения ролей.

— Решая, какие спектакли ставить, вы как-то отслеживаете интересы публики?

— Сегодня народ очень активно идет на медийные лица. Видят на афише разрекламированного артиста и даже не задумываются, что и как он будет играть. А ведь основная масса того, что к нам везут, — это просто низкопробные постановки с минимумом вложений. Но, к великому сожалению, зритель зачастую неразборчив. И мы, идя у него на поводу, начинаем опускается до его желаний. Конечно, мы отслеживаем интересы зрителя. Но вы посмотрите, какие рейтинги у передач с тем же Петросяном. Они зашкаливают! Вот что нужно народу. Так что мы далеко не всегда решаемся ставить такие спектакли, которые нам интересны, которые могут дать зрителю больше, чем просто похохотать пару часов. К тому же они требуют колоссальных затрат, которые потом еще и не окупятся. Хотя, конечно, бывает, когда наши зрительские интересы расходятся. И в нашем театре есть такие спектакли. Это «Поминальная молитва», «Опасные связи», «Лес», «Искусство». Вообще зрителя надо воспитывать потихоньку. Вы знаете, категория театрального зрителя — это всего лишь 3% от всего населения. Остальные — это те люди, которые пришли просто провести время. Это те, кому мы «оказываем услуги». Да, именно оказываем услуги. Ведь именно так и написано во всех законодательных актах. Я совершенно не принимаю этот термин в отношении культуры. Мы же не парикмахерская!

— Я только с третьего раза попала на спектакль «Искусство» — билетов просто не достать. Вам не кажется, что дело в самом спектакле, его сравнивают с творчеством «Квартета И», а «Квартет И» сейчас в моде?

— Я связываю такой ажиотаж с тем, что это камерный спектакль, он играется на малой сцене. Сама пьеса «Искусство» написана не сейчас, она написана лет 15—20 назад. Поэтому, кто знает, может быть, ребята из «Квартета И» посмотрели эту пьесу, когда ее ставили в театре Маяковского или где-то еще. Но, с другой стороны, если по жанру «Искусство» похоже и на «Квартет И», и на произведения Гришковца, то в нем все же нет таких бытовых российских проблем, как у героев. Ну а философские и психологические проблемы у всех народов одинаковые.

— Музыканты Поморской филармонии летом выходят на набережную, играют на улице. А у вас не возникает желания пойти в народ?

— Можно отрепетировать, придумать какую-то историю, которую можно рассказать на большую аудиторию. Но пока мы не работаем на улице. У нас есть Виктор Петрович Панов, который прекрасно ставит уличные спектакли.

— Почему практически перестали показывать «Фуршет после премьеры», подставленный Романом Виктюком?

— Понимаете, «Фуршет после премьеры» — это не совсем простой спектакль. Зрителю надо работать головой, а не просто откинуться в кресле и похохотать. Надо чтобы мозг и чувства работали, а это сложно. Вот и получается, что люди не очень на него ходят. Хотя при этом есть категория зрителей, которые от него без ума. У меня есть знакомая, которая два раза приезжала в Архангельск из Москвы, чтобы его посмотреть. Она поклонница Виктюка и смотрит все его спектакли. Но «Фуршет» больше негде посмотреть. Он поставил этот спектакль только у нас и в Казахстане. И это совершенно разные постановки, они не сделаны под копирку. Виктюк просто так не может. Я помню, как он приходил на репетицию и приносил по 10 вариантов одного эпизода. Он настоящий гений. Работа с ним стала настоящим откровением.

Анна Нечай,

«АиФ-Архангельск», 15.04.2014

Александр Островский, «Лес»
(2011 год,
режиссер Петр Орлов)

Сергей Чуркин в роли Геннадия Несчастливцева.

У Архангельского драматического театра — третье обращении к пьесе «Лес». Спектакли были выпущены в 1950 и 1985 годах. Постановка Петра Орлова. Сценограф — заслуженный художник РФ Владимир Боер. Балетмейстер — заслуженный деятель искусств РФ Валерий Архипов, знакомый архангельским зрителям по прекрасной хореографии спектакля «Щелкунчик».

Классическая комедия о лесе — не месте действия, а среде обитания, где старухи выходят замуж за гимназистов, а молодые девушки топятся от горького жития у своих родных… «Лес» — одно из самых совершенных и самых сложных произведений Островского. Это отразилось в конструкции пьесы, проявилось в сложности ее сюжетного построения. Любовная линия Арсюши и Петра, разработанная в формах народной комедии и живо напоминающая начало пути драматурга, не выдвигается здесь на первый план, хотя развитие действия и драматическая борьба сосредоточены именно на судьбе этих героев.

Можно сказать, что участь Арсюши становится поводом для развертывания другой линии действия — борьбы между сатирически обрисованным миром помещичьей усадьбы, центром которой, ее идеологом становится Гурмыжская, и «блудным сыном» дворянского рода Гурмыжских Несчастливцевым, свободным художником, «благородным артистом».

«И в самом деле, брат Аркадий, зачем мы зашли, как мы попали в этот лес, в этот сыр-дремучий бор? — восклицает Несчастливцев. — Зачем мы, братец, спугнули сов и филинов? Пусть их живут, как им хочется! Старухи выходят замуж за гимназистов, а молодые девушки топятся от горького жития у своих родных: лес, братец…»

В спектакле заняты заслуженные артисты РФ Людмила Бынова и Валерий Колосов, актеры Сергей Борисович Чуркин, Александр Дубинин, Андрей Москаленко, Мария Беднарчик, Мария Новикова, Евгений Нифантьев, Николай Обабков, Александр Дунаев, Иван Братушев, Иван Морев, Андрей Калеев, Ольга Зубкова, Татьяна Боченкова, Михаил Кузьмин.

Отзывы зрителей

Дмитрий Тосканов:

«Сразил спектакль „Лес“ своей органичностью, хорошей игрой! В работе поражает мастерство актеров, в том числе их виртуозное владение телом. В общем, после спектакля есть о чем подумать».

Генри Морган:

«Это один из тех спектаклей, где нет «сонных» диалогов, которых было много, например, в «Спасибо Марго», т.е. пауз, когда хочется спать! (Хотя в финале долго плакала Новикова, что очень не понравилось.) Этот спектакль с самого начала окунул в себя зрителя и не отпускал до конца. Постановка сделана очень талантливо. Больше всего поражают пластические способности артистов. Это заслуга приглашенного педагога. Также радуют глаз массовые сцены. Все очень красиво, несмотря на грубый строительный материал на сцене, все двигаются с величайшей легкостью, как перо по воде. Все это от слаженности, ведь если кто-то собьется, то уже не будет такого эффекта. Также никто не упоминал о монтировщиках сцены, а ведь они такие же актеры! Они так же добросовестно на сцене выполняют свою работу. Так держать!

Прекрасные костюмы. Прекрасно сидят на актерах. Трудно оторвать глаз от Чуркина в костюме Гамлета. Костюм Счастливцева на Александре Дубинине тоже очень нравится. Сколько же труда вложено в эти костюмы! Прелесть! И эта забавная шапочка… Вообще костюмы прекрасно подчеркивают основные черты образов артистов».

Люда Морозова:

«Потрясающий спектакль! Несколько раз плакала, смеялась, переживала. Эмоций много. Поразила физическая подготовка артистов: так ловко двигаться по декорациям, гибкость, пластика — прямо акробаты!»

Ольга Мышкина:

«Вчера с большим восторгом посмотрела спектакль „Лес“, долго не могла попасть на него. Прекрасная постановка, отличная игра актеров. Как всегда, восхитила Людмила Советова! Браво! Говорят, театр начинается с вешалки, а у меня начинался спектакль с приятного обслуживания в кассе и с того, что весь зал аплодировал стоя».

А. Н. Островский, «Гроза»
(1998 год, режиссер Денис Кожевников)

Сергей Чуркин в роли Бориса.

Пожалуй, самая известная пьеса Островского. Однако после школьной программы мы редко возвращаемся к ней. Театр дает возможность заново почувствовать наследие русской классической драматургии и найти в нем отражение сегодняшнего дня. «Гроза» имеет длинную сценическую историю: уже более 150 лет ее ставят во всех театрах страны — от Малого до Большого драматического театра. «Гроза» — спектакль, в котором задействована практически вся актерская труппа. Масштабная сценография, сложные исторические костюмы, впечатляющие декорации, трагические оттенки текста. Этот спектакль эпического масштаба о противоречиях и иллюзиях современного мира, основанный на русской классической драме XIX века. Главным событием, связанным с Международным днем театра, стало рождение шедевра молодого режиссера из Архангельского областного театра драмы имени М. В. Ломоносова, Дениса Кожевникова. Режиссер определил драму как притчу о любви и ревности, мудрости и безумии, силе и слабости души. Скульптурные постановки, пластичность речи, гармоничное сочетание слов и хореографии, тонкая музыкальность — вот характерные черты изысканного и красивого спектакля. Катерина (Людмила Кайзер) — страстная, решительная, яркая и, как следствие, обреченная на страдания и смерть. Борис (Сергей Чуркин) — безвольный, бессильный, и, следовательно, несчастный человек. Тихон (Денис Кожевников), прославившийся как художник, лишен воли даже в попытке построить свою судьбу, становится моральным, а по сюжету и физическим калекой… И удивительно меланхоличные, своим несчастьем, Кабаниха (Вера Томилина) и Дикой (Валерий Колосов). Сильные, но одинокие, властные, но неудачные… И гроза как символ греха и покаяния, воли и безволия, силы и слабости… Измученная школьной программой, пресыщенная стереотипами толкования, но, тем не менее, бессмертная, эта драма сегодня наиболее востребована из пьес Островского. «Гроза» с ее высокими страстями и мудростью необходима нам, современным, чтобы лучше разобраться в нашем времени и в самих себе… Художник-постановщик — Валерий Мелещников, художник по костюмам — Людмила Киреева, балетмейстер — Нелли Литвинова, музыкальное оформление — Евгений Мищенко. Остальные роли исполняли: Елена Смородинова (Варвара), Константин Феофилов (Кулигин), Александр Воронцов (Кудряш), Людмила Бынова (Феклуша), Елена Лупачева (Глаша), Людмила Советова (Барыня).

Из интервью с режиссером-постановщиком Денисом Кожевниковым:

— Постановщики словно соревнуются в радикальности экспериментов с классикой. Если уж браться за «нетленку», то ради нового слова — так?

— Я не сторонник определения своей трактовки как чего-то нового. Это просто более глубокое прочтение произведения, отличное от стереотипа, который нам втемяшили со школьной скамьи. В спектакле не будет привычных самодуров и вообще деления на положительных и отрицательных. Эта пьеса скорее о людях, которые запутались, каким ликам молиться. У каждого своя правда, свое представление о счастье. Я не берусь судить никого, даже самых жестких типов — Кудряша и Варвару, которые не остановятся ни перед чем. Ведь во всех людях заложено сильное эмоциональное начало — стремление к счастью, ради которого они совершают свои поступки. Другое дело, что эти поступки часто разрушают чье-то царство Божье, в этом вся и беда. Не умеем мы безболезненно существовать.

— А Катерина, та, которая «так бы подняла руки и полетела», у Вас какая будет?

— Помните «Луч света в темном царстве»? А какой же «луч», если она по меньшей мере один смертный грех совершает? Я уже не говорю об измене — тут все виноваты. А финал? Катерина тоже живой человек, с понятными мотивами, с плохими и хорошими качествами.

— И все-таки публика с ее стереотипами будет шокирована?

— Очень трудно предсказать реакцию зрителя: будет шок или нет. А если шок, то в хорошем смысле? Я не задавался целью удивить оригинальностью — это самое неблагодарное. Дело в том, что нужно ставить пьесу тогда, когда ее тема, персонажи, сама атмосфера — что-то «зацепило». Для меня уже просто нельзя не ставить «Грозу», а новаторство это или нет — не мне судить.

Интервью подготовила Марина Ледяева

Отзывы зрителей

Татьяна Григорьева:

«Совершенно не ожидала, что этот спектакль захватит меня и заставит сильно задуматься. Когда подруга пригласила меня на „Грозу“, я сомневалась. После школьной программы в моей голове было стереотипное впечатление, что это что-то мрачное и тяжелое. А оказалось, максимально современно, энергично, легко и глубоко… Браво, мастер! Пойду еще раз».

А. Н. Островский, «Гроза»
(2022 год, режиссер Андрей Тимошенко)

Сергей Чуркин в роли Савёла Прокофьича Дикого, помещика.

Купеческая драма «Гроза» в постановке 2022 года под режиссурой Андрея Тимошенко оживила страницы пьесы А. Н. Островского. Главным героем спектакля стал Савёл Прокофьич Дикой, богатый провинциальный купец, воплощение грубости, жадности и невежества. Его характер деспотичен и расчетлив, а его слова — как раскаленные угли, готовые взорваться в любой момент.

«Гроза» в постановке Андрея Тимошенко — это не только театральное представление, но и глубокое погружение в моральные и философские проблемы человеческой сущности. Это картина русской действительности, которая остается актуальной и сегодня, показывая, как человеческие души могут быть искажены алчностью и неспособностью к примирению с самими собой. Дикому противостоит племянник Борис, приезжающий из Москвы за наследством, оставленным бабушкой. Взаимоотношения между ними напряжены: Дикой никогда неизвестно, что именно хочет, и его работники часто не знают, будет ли им выплачено их жалованье. Иногда он чувствует вину, но его жадность всегда побеждает.

Театральный спектакль исследует глубокие социальные конфликты и моральные дилеммы, вписывая их в современный контекст. Сергей Самодов в своей книге «Тимошенко. Замыслы» подчеркивает, что каждый персонаж пьесы открыт для различных интерпретаций. Зритель встречается с множеством образов, каждый из которых приоткрывает глубокие слои русской драмы XIX века.

Сценография, созданная с использованием символических элементов, таких как мешки с зерном и лодки, наполняет пространство жизнью и энергией, выражая идею о людях, запутавшихся в своих собственных страстях и амбициях. Река, которая стала зрительным залом, символизирует жизнь и смерть, надежду и отчаяние, напоминая о том, что истина часто скрывается в самых неожиданных местах.

А. Н. Островский, «Женитьба Бальзаминова»
(1994 год, главный режиссер театра Виктор Новиков, режиссер-постановщик
Лев Житницкий)

Сергей Чуркин в роли Чебакова.

Мюзикл Александра Кулыгина по комедии Александра Островского получился зажигательным. Весь спектакль режиссером решен в атмосфере азарта и игры — не случайно и красочное оформление художника Михаила Ушаца выдержано в стиле игральных карт. Хороший сценарий и у Арона Гангова. В центре постановки — мечты и сны Миши Бальзаминова (Сергей Дроздов). Бальзаминов жаждет разбогатеть, благополучно и спокойно жить. А чтобы его мечты сбылись, нужно выгодно жениться. Поэтому главной движущей силой для осуществления его мечты становится бойкая и говорливая сваха Красавина в прекрасном исполнении Альбины Казанцевой. Она — «стержень» спектакля. Сваха играет людьми, как картами: «Дама, король, валет» — складывает она по-своему судьбы людей, прикидывая, как выгоднее. Помощницей и заступницей Миши во всех его злоключениях является маменька, превосходно исполненная Бланкой Воронковой. В ней много молодого задора и юмора, так необходимого для комедии. Замечательный дуэт составили Елена Смородинова и Наталья Латухина, лихо и весело изображая раскрепощенных и разудалых сестриц Анфису и Раису. Роль томной и благодушной купчихи Белотеловой убедительно исполнила Людмила Советова, потешно брутальным получился Чебаков Сергея Чуркина, хорошие данные и музыкальная одаренность способствуют созданию образа. Украшением спектакля стали уморительные эпизоды с участием сумасшедшей Химки, какой ее представляла Татьяна Боченкова, к сожалению, не очень выразительно играла роль Марины Яна Бутенко. Были хорошо поставлены массовые сцены, в которых вместе с артистами театра принимали участие студенты хореографического отделения училища культуры. Класс преподавателя Евгения Дергачева. Балетмейстер — А. Сердюков. Ассистировал режиссеру-постановщику Александр Дунаев. Концертмейстер спектакля — Лиана Дегтяр.

Отзывы зрителей

Сергей Колягин:

«Не могу не поделиться своими впечатлениями. Спектакль для меня пролетел очень быстро. Любимые актеры, любимые сотрудники театра, по-настоящему понимаешь, что это единая команда, один коллектив. Очень, очень приятно ощущать себя той же командой. На выходе из зрительного зала стоял режиссер Виктор Новиков, я поблагодарил его за шедевр, созданный им! Настроение на высоте! Хочу пожелать всем здоровья. Всех люблю и обнимаю».

Кирилл Масленников:

«Если вы хотите получить массу положительных эмоций, зарядиться хорошим настроением на несколько недель, от души посмеяться, получить эстетическое удовольствие от хороших декораций и профессиональной игры актеров, то вам непременно надо сходить на этот спектакль. Восторг, восторг и еще раз восторг! Огромное спасибо режиссеру, актерам, художникам по костюмам, свету и декорациям! Это эталон настоящего русского театра! Спасибо вам за подаренные эмоции и отличное настроение!»

Кристофер Хэмптон (по Шодерло де Лакло), «Опасные связи»
(2011–2016, режиссер Владимир Коренев)

Сергей Чуркин в роли Виконта де Вальмона.

«Многие ли из вас подглядывали в замочную скважину? Сегодня вам всем представится такая возможность», — такими словами встречает зрителей пожилой автор куртуазной драмы Шодерло де Лакло. Что естественно, то не постыдно — вот девиз постановки «Опасные связи». Перед зрителем обнажаются тайны будуаров XVII века. Интриги, заговоры, страсть и искренняя любовь — винегрет чувств в сочетании с витиеватым сюжетом. Два интригана, маркиза де Мертей и Виконт де Вальмонт, плетут сети, в которые легко попадаются разные наивные пташки. Виконт может похвастаться тем, что с легкостью соблазнит любую даму, даже самую гордую и строптивую. Он сбивает с пути замужнюю, верную и набожную мадам де Турвель и сводит с ума юную Сесиль Воланж, только что вышедшую из монастыря. Маркиза де Мертей — соблазнительная красотка, которая, впрочем, ни с кем не бывает до конца откровенна. Не приведи господь встать на ее пути — она изобретет тысячу хитростей, чтобы насолить неприятелю. Ее опиум — месть. В спектакле она ходит в интригующих нарядах, соблазнительных пеньюарах. Вместе два властных и порочных злодея играют судьбами всего Парижа. Сети прочны, пташки путаются в них одна за другой. Но смогут ли сами интриганы устоять перед чарами любви?

Актеры, занятые в этом спектакле: Владимир Коренев, Андрей Калеев, Наталья Латухина, Сергей Чуркин, Тамара Волкова, Вера Томилина, Мария Беднарчик, Людмила Бынова, Ольга Зубкова, Елена Смородинова, Мария Новикова, Иван Братушев, Мария Степанова, Иван Морев, Татьяна Боченкова, Кристина Ходарцевич, Вадим Винтилов, Михаил Кузьмин, Алексей Ковтун.

Куртуазный роман французского генерала Шодерло де Лакло носит разоблачительный характер и описывает нравы аристократического общества XVIII века в форме переписки героев. Современный английский драматург Кристофер Хэмптон написал пьесу на основе этого романа, выстроив напряженный драматический сюжет, заострив внимание на противостоянии сильных характеров. Сергей Таск перевел пьесу на русский язык, предложив свою редакцию. Известный актер Владимир Коренев совместно со своей дочерью Ириной взялся поставить спектакль на основе этого материала в Архангельском театре. Вся постановочная группа спектакля из Москвы: художник Светлана Логофет разработала сценографию и костюмы, композитор Алексей Шелыгин обработал музыку Генделя, хореограф Валерий Архипов поставил пластику. В начале спектакля слово предоставляется автору романа — самому Шодерло де Лакло: на сцене над столом склонился старик в заношенном халате и ночном колпаке, звенит третий звонок, старик поворачивается лицом к залу и с усмешкой произносит: «Пришли… Ну еще бы, скандальный автор, скандальный роман. Каждому хочется заглянуть в замочную скважину и понаблюдать за чужими грехами». А потом начинается само действие, и не с чего-либо, а с католической мессы: силуэт креста, церковные песнопения, священник на возвышении, герои спектакля — в качестве прихожан храма. Появляется виконт де Вальмон, подходит к молящимся, берет за руку госпожу де Турвель, и они, застыв на некоторое время, глядят друг на друга, остальные персонажи покидают сцену. В таком своеобразном прологе дается намек на дальнейшее развитие действия: противопоставление порока и добродетели, хищника и жертвы, опасные связи, что говорить. В центре повествования — циничная игра с душами и судьбами людей, предпринятая безжалостным охотником за женскими сердцами виконтом де Вальмонтом коварной, мстительной обольстительницей маркизой де Мертей. Они друг друга стоят — сильные, умные, жестокие. Их дружба-соперничество несет немало зла окружающим, но в конце концов перерастает во вражду, которая приводит к трагедии. Центральным элементом декорации становится огромная кровать, которая то торжественно вывозится на середину сцены, то задвигается за специальные ворота. Именно кровать является главным местом действия — все-таки это куртуазная драма: соблазнение, плетение интриг, любовные игры, сцены ревности, да мало ли чего еще требует этот жанр. Интрига строится на пустом месте. Маркиза, чтобы отомстить бывшему любовнику, просит Виконта соблазнить его невесту Сесиль Воланж, чтобы высмеять обидчика в свете. Виконт соглашается, однако параллельно с этим мечтает завоевать госпожу де Турвель, хранящую верность мужу, и по-настоящему влюбляется в нее, однако вынужден с ней расстаться. В довершение любовного клубка маркиза соблазняет возлюбленного Сесиль — шевалье Дансени. Интриги раскрываются, дело доходит до дуэли, на которой Дансени убивает Вальмона. Но письма, компрометирующие маркизу, становятся всеобщим достоянием, поэтому получается нешуточный скандал в свете. Вальмон — в могиле, госпожа Турвель, Сесиль и Дансени — в монастыре, маркиза обезображена болезнью и отвергнута светом.

Харизматичный, брутальный Вальмон, победитель, сердцеед, таким его играет Сергей Чуркин, вызывает симпатии и сочувствие зала, особенно когда его охватывает смятение, даже растерянность как проявление романтических чувств. Да к тому же никого не может оставить равнодушным благородная смерть и последний привет, который передает умирающий возлюбленной, при этом напрочь забывается жестокость и откровенное зло героя.

Маркиза в исполнении Натальи Латухиной — воплощенный порок, который ее ни в коей мере не тяготит, скорей подстегивает активность в злодеянии, при этом на вооружение берутся лесть, коварство, вероломство — все средства хороши ради прихоти, ради того, чтобы потешить самолюбие. В общем, перед нами классическая стерва, к тому же в откровенных нарядах. Понятно, что такой персонаж не участвует в благостном прологе, но зато триумфально появляется в шикарном платье в эпилоге, видимо, чтобы подчеркнуть, что зло вечно и оно выглядит прекрасно.

Мария Новикова в образе госпожи де Турвель подчеркивает показную неприступность, напряженность, за которой прячется хрупкая, ранимая душа. С трудом сдерживаемые чувства приводят девушку к душевному краху.

Глупенькая, пустая Сесиль в роли Марии Беднарчик — угловатый подросток, напуганный ребенок, но очень быстро вошедший во вкус похоти и стремительно скатывающийся в пропасть разврата.

Шевалье Дансени (Иван Братушев) — робкий, забитый, покорный, ведомый, из него очень удобно вить веревки, однако он яростно бросается на защиту чести невесты.

Мадам де Воланж (Тамара Волкова и Вера Томилина) нарочито сухая, однако раздражительная, очевидно, что ее добропорядочность показная. Тетушка мадам де Розмонд (Людмила Бынова и Ольга Зубкова) — нелепый божий одуванчик. Под стать своему хозяину слуга виконта Азолан (Иван Морев) — жизнелюб и бонвиван, служанка госпожи де Трувель Адель (Кристина Ходарцевич) — развратная хохотушка, раскрепощена до предела куртизанка Эмилия (Мария Степанова). Задача исполнителя роли автора Андрея Калеева — ввести зрителей в курс дела и поведать о дальнейшей судьбе героев. В спектакле есть еще несколько небольших ролей, без которых этот спектакль не был бы таким красивым и динамичным. Кюре (Алексей Ковтун), служанка маркизы (Ксения Мельникова и Татьяна Боченкова), музыканты (Михаил Кузьмин, Вадим Винтилов, Аркадий Колпаков). Немало работы во время представления и у монтировщиков сцены, одетых в условно-состаренные плащи с капюшонами (только одну кровать приходится много раз выдвигать и задвигать, а еще периодически надо менять подсвечники на корзины цветов, чтобы обозначить смену места действия.)

Отзывы зрителей

Светлана Шумилова:

«Спектакль достаточно откровенный, даже неожиданно для нашего театра. Игра актеров, костюмы — восхитительны! Чуркин — бесподобен! Проведенный в театре вечер оставил только положительные эмоции. Спасибо».

Нужно любить жизнь

(Интервью Владимира Коренева журналу «Формула здоровья» (март 2011 года)

Владимир Борисович Коренев — народный артист России, ведущий актер Московского драматического театра им. Станиславского, художественный руководитель актерского факультета Института гуманитарного образования (ИГУМО), заведующий кафедрой театрального факультета, профессор.

И еще это тот самый Коренев, который миллионам зрителей подарил незабываемый образ Человека-амфибии — героя, популярность которого в свое время была не меньшей, чем у современного Спайдермена.

— Владимир Борисович, вы впервые в Архангельске?

— Я был здесь на гастролях с театром Станиславского много лет назад, помню ваши деревянные мостовые. Конечно, Архангельск за это время сильно изменился. Я мало видел так прекрасно оснащенных театров, как у вас, не только в России, но и в Москве. У вас не только прекрасное здание, у вас складывается чрезвычайно интересный творческий коллектив, начиная с художественного руководителя Петра Гарриевича Орлова, замечательного талантливого человека, настоящего интеллигента. Он принес в театр свежее дыхание, приглашает интересных режиссеров. Я знаю, что он собирается пригласить выдающегося режиссера Роберта Стуруа. На вашей сцене ставил спектакли Роман Виктюк. В театре появилась новая драматургия, абсолютно современная и интересная классика. Поэтому я искренне рад за архангельских зрителей.

— Вас тоже пригласил Петр Орлов?

— Да, это его идея. Мы с ним старые друзья, вместе работаем. Он поставил спектакль по пьесе драматурга Анатолия Крыма «Завещание целомудренного бабника», в котором я играю. Это романтическая комедия о престарелом донжуане — редкий жанр, забытый в наше время. Мы сыграли по этой пьесе больше 60 спектаклей — и всегда полный зал. В конце спектакля люди встают и стоя провожают актеров.

— А о чем спектакль «Опасные связи»?

— Это спектакль по знаменитому роману классика французской литературы Шодерло де Лакло. Он написал всего один роман и стал великим. Роман скандальный, он начинает целую серию адюльтерных романов. Один французский искусствовед составил «табель о рангах», выстроив французских писателей по популярности: на первом месте Александр Дюма-старший, на втором — великий Виктор Гюго, а на третьем — Шодерло де Лакло со своим единственном романом, потом все остальные: Бальзак, Мопассан, Мериме. Прочитайте, получите большое удовольствие. Этот роман я в 15 лет украл из библиотеки и под одеялом с фонариком читал!..

— Что вас привлекло в этом романе сегодня?

— Он абсолютно современен. Такое впечатление, что он написан сегодня. В нем есть то, что есть во всех великих произведениях, — история человеческих страстей, то, чем мы живем. Он про всех, и в этом реальность, которая вечна, которая не меняется. Великая литература всегда общедоступна. Например, Пушкин — его понимает каждый, конечно, на своем уровне, но понимает. Так же, как Шекспира и Гоголя. А возьмите Надсона — в силу мелкости своего таланта он не выходит на высоту общедоступности.

— Артист, затем режиссер… Есть ли какая- то закономерность в вашем творческом движении?

— Наверное, есть. Вырастаешь, как из детских штанов, и начинаешь понимать, что есть еще что-то, что можно попробовать сделать. Со временем появляются идеи, я же еще и педагог, профессор, преподаю в институте, руковожу театральным факультетом. Поэтому появляется масса художественных и технологических идей, которые хочется реализовать. Если ты увлечен своей профессией, всегда появляется что-то, что ты хочешь воплотить.

— Для архангельских зрителей Владимир Коренев неотделим от образа Человека-амфибии. Что осталось в вашей жизни от этого романтического образа?

— От Человека-амфибии во мне ничего не было, я просто был актером, который играл роль.

— Все-таки мне кажется, что этот образ во многом совпал с вашим внутренним миром, нравственными ценностями, мировоззрением, еще чем-то неуловимым… И поэтому получился таким цельным, запомнился миллионам зрителей по всему миру.

— Конечно, я тогда был совсем юным, и, видимо, очень многое совпало. Я до сих пор идеалист. Так же люблю театр, как тогда, когда только пришел учиться в театральный институт. У меня не появилось цинизма по отношению к нему — это великое изобретение человечества. Театр возник для того, чтобы лечить душу общества. Так же я и сейчас к нему отношусь.

— «Опасные связи» — ваш первый спектакль?

— В институте за десятилетие я поставил много спектаклей. На профессиональной сцене — первый раз. Я считаю, что спектакль — это не атомная лаборатория. Если любишь произведение, знаешь его, живешь им, если оно не дает тебе спать, и ты по ночам видишь картинки из спектакля, видишь, как двигаются по сцене твои герои, то все получится. Кто такой режиссер? Режиссер, по сути, — это очень профессиональный зритель. Вот он сидит в зале и видит: тут скучно — нужно сделать по-другому, чтобы стало интересно. Здесь я не слышу, что-то не понимаю — нужно сделать так, чтобы стало выразительно. Другое дело, есть еще постановочная фантазия: как сделать так, чтобы мизансцены стали выразительными и образными, выразить не просто течение жизни, как в документальном фильме. Тут, как и в любом искусстве, есть свои приемы и опыт.

— Что вам дает энергию и силы для творчества?

— Я витальный человек, люблю жизнь во всех ее проявлениях, даже в самых простых. Мне интересно жить, получать новую информацию. Я не включаю дома телевизор, который работает на новостных каналах. У меня на даче, на диване, лежат 15 книжек, которые я читаю одновременно. Книжки самые разные: от кулинарной — я люблю поесть и люблю готовить — до исследований про Апокалипсис.

— Ваша формула счастья и здоровья?

— Нужно любить жизнь, и тогда ты будешь ценить свое здоровье.

Беседовала Елена Андропова

Кен Людвиг, «Примадонны»
(2014 год, режиссер Петр Орлов)

Сергей Чуркин в роли Лео.

Сухой закон, джаз и Голливуд

Поставленный по пьесе американского драматурга и режиссера Кена Людвига, спектакль рассказывает о событиях, происходящих в США в эпоху сухого закона, также известную как эпоха джазовой музыки, огромных черных автомобилей и подъема голливудского кинокластера. Возможно, поэтому комедия выглядит несколько «киногенично».

Пьеса написана в лучших традициях комедии положений: она строится на неожиданных стечениях обстоятельств и непредсказуемых забавных ситуациях, в которые попадают персонажи. Кен Людвиг повествует о незатейливой предприимчивости двух актеров-аутсайдеров, которые, несмотря ни на что, мечтают о мировой славе и о миллионных гонорарах. Поскольку их классическая композиция по Шекспиру не находит отклика среди зрителей и, соответственно, не приносит дохода, коллеги оказываются на улице в отсутствие средств к существованию и надежды на удачу. И вот однажды им подворачивается случай заполучить огромное наследство. Из газеты они узнают о том, что пожилая больная миллионерша безуспешно разыскивает своих племянников Макса и Стива, которых еще детьми увезли в Англию и все связи, с которыми утеряны. Выясняется, что тетушка изъявляет желание передать им большую часть своего состояния. Лео и Джек решают выдать себя за разыскиваемых племянников, дабы получить наследство. И тут они понимают, что для получения состояния им придется пойти на хитрость и пустить в ход все свои актерские навыки. Ведь внезапно они узнают, что Макс и Стив — это не племянники, как предполагалось, а племянницы!